Minimalism — konst, musik, design och livsstil

Inom musiken är minimalism ett sätt att komponera klassisk musik som blev populärt under andra hälften av 1900-talet. Det är ett sätt att komponera genom att använda en enkel idé som upprepas många gånger. Ett minimalistiskt musikstycke utgår vanligtvis från en kort idé som kan vara ett melodiskt eller rytmiskt mönster. Denna idé upprepas sedan många gånger, men varje gång ändras den något. Ibland kan detta göras av två eller flera instrument som börjar med att spela sina toner eller ackord tillsammans, men eftersom det ena instrumentet går något snabbare än det andra blir de gradvis "osynkroniserade" (inte synkroniserade, dvs. inte tillsammans), för att så småningom komma ikapp varandra igen. Vanligtvis är denna musik tonalisk, dvs. den ligger fast i en tonart. En jämn puls hålls under hela stycket.

Kompositörer som skrivit minimalistisk musik är bland annat Steve Reich (född 1936), Philip Glass (född 1937) och Terry Riley (född 1935). Andra kompositörer som John Adams (f.1947) har också använt minimalistiska sätt att komponera, men de har kombinerat dessa med andra tekniker, så att deras musik inte bara är minimalistisk.

Minimalistisk musik blev populär på 1960- och 1970-talen. Minimalistiska kompositörer började skriva på detta sätt, även för att mycket ny musik på den tiden var mycket komplicerad och svår att förstå. Det var ofta seriell musik som var atonal utan tydliga melodier eller idéer som var lätta att komma ihåg.

Minimalistisk musik är inte nödvändigtvis enkel. Den kan ha en slags hypnotisk effekt, men det är en del av vad kompositören vill. Reichs Clapping Music består bara av handklappning: det finns ingen melodi. Han tänkte på afrikansk trummusik när han skrev den. Två artister börjar med att klappa en rytm tillsammans. Efter 13 sekunder lämnar den andra utövaren den första quaver (åttondelsnot) och lägger den i slutet av den andra baren (takten). Efter ytterligare 13 sekunder sker detta igen så att de två artisterna till slut är tillsammans igen. Denna musik måste lyssnas på ett annat sätt än annan musik.

Minimalismen inom bildkonsten, som ibland kallas bokstavskonst och ABC Art, växte fram i New York på 1960-talet. Som produkt hade den mycket gemensamt med tidigare geometrisk abstraktion och suprematism.

Termen "minimalism" var inte allmänt accepterad av de konstnärer som var förknippade med den, och många utövare av den konst som kritiker kallade minimalistisk identifierade den inte som en rörelse i sig själv.

En av de första konstnärerna som särskilt förknippades med minimalismen var Frank Stella, vars tidiga "randiga" målningar lyftes fram i 1959 års utställning "16 Americans", som organiserades av Dorothy Miller på Museum of Modern Art i New York. Bredden på ränderna i Frank Stellas målningar med ränder bestämdes av dimensionerna på det virke som användes för att konstruera det underlag som duken spändes upp på, vilket syns som målningens djup när man ser den från sidan. Besluten om strukturer på dukens framsida var därför inte helt subjektiva, utan förutsattes av en "given" egenskap hos stödets fysiska konstruktion. I utställningskatalogen konstaterade Carl André att "konsten utesluter det onödiga". Frank Stella har funnit det nödvändigt att måla ränder. Det finns inget annat i hans måleri".

Dessa reduktiva verk stod i skarp kontrast till Willem de Koonings och Franz Klines energirika och känslomässigt laddade expressionistiska målningar.

De lutade sig mer mot Barnett Newmans och Mark Rothkos kontrollerade, dystra färgfältsmålningar. Även om Stella fick omedelbar uppmärksamhet genom MOMA-utställningen hade konstnärer som Kenneth Noland, Ralph Humphrey, Robert Motherwell och Robert Ryman börjat utforska ränder, monokromatiska och hårda format från slutet av 50-talet till 1960-talet.