Tidig italienska
- Uccello, Sankt Georg och draken, ca 1450, Florens
Historien om denna målning är en kristen legend om en drake som har stulit en prinsessa. Prinsessan charmade draken och band den med sitt bälte, men hon kunde inte fly. Den ädle George kom till hennes undsättning och dödade draken. Det finns många målningar av Saint George i National Gallery eftersom han är Englands skyddshelgon. Uccello har försökt visa landskapets perspektiv genom att arrangera ljusa och mörka områden på marken. Diagonala linjer är viktiga i den här bilden. Den linje som drakens vinge och ben gör går i samma riktning som Georgs spjut medan kroppen och svansen går i motsatt riktning.
- Piero della Francesca, Kristi dop, ca 1450, Umbrien
- Mantegna, Agonien i trädgården, 1460, Mantua
- Pollaiuolo, Sankt Sebastians martyrskap, 1475, Florens
Historien om denna målning kommer från den romerska mytologin. Krigets gud Mars har älskat med Venus, kärlekens gudinna. Han är så trött att han inte vet att små fauner leker med hans vapen. Men en av dem är på väg att blåsa en stor granat högt i hans öra. Budskapet i denna målning är att kärleken kan vinna över kriget. Designen bygger på ett stort W. vilket gör målningen symmetrisk. Botticelli gjorde den här för sovrummet hos Giuliano de'Medici, en rik adelsman från Florens. Han målade Mars för att se ut som Giuliano och Venus för att se ut som hans flickvän, men Giuliano hade inte mycket tid att njuta av sina målningar eftersom han mördades bara en kort tid senare.
- Perugino, Madonna och barn med änglarna Mikael och Rafael, 1496, Perugia
- Giovanni Bellini, porträtt av Leonardo Loredano, doge av Venedig, 1501, Venedig
Tidig nordeuropeisk målning
Wilton Diptych är en av de mest värdefulla målningarna i National Gallery, eftersom de flesta små konstverk från medeltiden i England förstördes. Målningen visar Englands kung Richard II som presenteras för Jungfru Maria av sina tre skyddshelgon. Den är målad i tempera; färgerna blandas med ägg. Ordet "diptyk" betyder att den är i två delar och kan stängas som en bok. Bakgrunden är täckt med tunt slaget bladguld. Den blå färgen är gjord av malda halvädelstenar, lapis lazuli. Den kan ha målats som en bröllopspresent till kungen när han befann sig i Frankrike.
- Jan van Eyck, Bröllopet i Arnolfini, 1434, Belgien
- Hans Memling, Jungfru och barn med helgon och donatorer, 1477, Brygge
- Rogier van der Weyden, Pieta, ca 1460, Bryssel
- Hieronymous Bosch, Kristus hånas, ca 1480, Bois-le-Duc
- Albrecht Durer, Målarens far, 1497, Nürnberg
Denna målning är en altartavla för en kyrka. Den visar Jungfru Maria som sitter som en drottning på en tron med Jesusbarnet. Han dyrkas av tre kvinnliga helgon och av mannen som har betalat konstnären för att göra bilden till kyrkan. Han kallas "donatorn". Allt på bilden har målats med stor detaljrikedom, kläderna, kakelplattorna, smyckena, byggnaderna och blommorna. Många av sakerna på bilden är symboler. Den lilla hunden är symbolen för trohet. Liljorna är symbolen för Jungfru Marias renhet. Målningen visar inte en del av en berättelse eller ett ögonblick i tiden. Bilden har målats för att hjälpa betraktaren att lugna sinnet inför bönen.
- Lucas Cranach, Amor, stucken av ett bi, 1522, Weimer
- Hans Holbein, Ambassadörerna, 1533, född Augsburg, död i London. Se nedan.
- Pieter Breughel den äldre, Kungarnas tillbedjan, 1564, Bryssel
Italien på 1500-talet
- Leonardo da Vinci, Klippornas jungfru, ca 1506, Milano. Se nedan.
- Michelangelo, Kristi gravsättning, ca 1506, Rom. Se nedan.
- Rafael, Ansidei-madonnan, ca 1505,
- Giorgione, Kungarnas tillbedjan, 1507, Venedig
Denna bild kommer från den grekiska mytologin. Prinsessan Ariadne har förlist på Naxos, Bacchus ö. Bacchus ser Ariadne och blir förälskad vid första ögonkastet. Tizian visar hur han hoppar från sin vagn som dras av geparder, medan Ariadne vänder sig om för att springa iväg. Men Ariadne har tittat in i Bacchus ögon och har också blivit förälskad. På himlen syns den stjärnkrona som Bacchus gav henne vid deras bröllop. Titian har målat en spiralrörelse i många av figurerna. Den syns bland annat i Ariadnes röda halsduk. Även om den här målningen handlar om mytologi är figurerna mycket realistiska.
- Lorenzo Lotto, Lucretia som kvinna, 1530, Venedig
Porträttet visar en kvinna i en färgrik sammetsklänning som håller en teckning av Lucretia, en adlig kvinna i det antika Rom som begick självmord genom att knivhugga sig själv efter att ha blivit våldtagen. Målningen kan ha gjorts för en familj som ville att deras dotter skulle gifta sig väl. Symboliken i målningen visar för det första att den unga kvinnan är rik och för det andra att hon är sexuellt ren. Dessa två saker var viktiga för att skapa ett bra äktenskap. Lotto har använt färgkontraster i den orange och gröna klänningen för att skapa en rik effekt. Han har också gjort en ovanlig användning av kontrast i tonen. Mycket ljusa områden som hennes ansikte, barm och hand styr målningens centrum. Ytterligare tre mycket ljusa områden är placerade på höger sida, teckningen, handen och lappen. Detta arrangemang är asymmetriskt.
Italien, Frankrike och Spanien på 1600-talet
Den här målningen är baserad på en berättelse från Bibeln. Två av Jesu anhängare gick på vägen till Emmaus och talade sorgset om Jesu död. En man kom och gick med dem, men först kände de inte igen honom. På kvällen, när de åt middag på ett värdshus, visste de plötsligt att det var Jesus som hade uppstått från de döda och nu levde. Caravaggio har visat detta ögonblick i tiden som om det vore ett fotografi. Det som får bilden att verka så verklig är ljuset, rörelsen och detaljerna. Caravaggio har målat ljuset som kommer från ena sidan som om det fanns en stor lampa. Värdshushållarens huvud gör en skugga bakom Jesus som är som en gloria. Bilden har fångat en enda sekund när Jesus höjer sin hand, en man börjar resa sig upp och den andra kastar ut sina armar. Endast värdshusvärden är stilla. Vyn på Jesu hand, mannens armar och den andra mannens armbåge är förkortad. Detaljerna visar vanliga människor med vanliga kläder som är gamla och trasiga. Det finns också ett stilleben av korgen vid bordskanten. Caravaggios belysning och realism kopierades av många andra målare, bland annat Rembrandt och Velazquez.
- El Greco, Kristus driver bort handelsmännen från templet, ca 1600, Toledo
- Annibale Carracci, Quo vadis? , 1602, Rom
- Claude Le Lorrain, Sebas drottning avgår, 1648, Frankrike och Rom
Detta fantasilandskap är baserat på en berättelse från Bibeln. I den här scenen beger sig drottningen av Saba ut på sin resa från Afrika till Palestina för att träffa kung Salomo. Men vad konstnären egentligen ville visa var det dimmiga morgonljuset från soluppgången över havet. Han har också målat tre olika typer av byggnader. Till vänster är en gammal ruin som de som konstnären såg i Rom. I bakgrunden syns ett slott och ett torn från medeltiden. Till vänster kommer drottningen ut ur ett storslaget palats i renässansens nya stil. Ingenting i den här målningen har något att göra med Afrika eller Palestina. Den handlar om Rom. Genom att visa Sabas drottning säger Poussin att staden Rom, med all sin 2000-åriga historia, är som den vackraste och mest intelligenta drottning som någonsin har levt. Denna typ av målning kallas för en allegori.
Den här målningen är en scen från den romerska mytologin. Kvinnorna är nymfer, skogens andar. Några av männen är satyrer och har horn och klövar från getter. De bor på Naxos, Bacchus ö, och tillbringar mycket tid med att bli fulla, dansa och älska. I denna vilda fest dricker till och med bebisarna vin. En nymf är på väg att slå en vinkanna i huvudet på en satyr som försöker kyssa hennes väninna. Poussin har använt stora områden med ljusa färger. Till en början ser målningen ut som ett virrvarr av kroppar, men allt är mycket noggrant arrangerat för att ge hela bilden en dansande effekt. En stor triangulär form innehåller alla figurer. Utanför triangeln till höger står en staty av Pan. På vänster sida finns ett vackert landskap.
- Diego Velazquez, Rokeby Venus, 1649, Madrid.
Bilden är hämtad från den romerska mytologin. Den visar Venus, kärlekens och skönhetens gudinna, som tittar in i en spegel som hålls av hennes son Amor. Velazquez tillbringade den mesta tiden med att måla porträtt för Spaniens kungafamilj och deras släktingar. Han är en av de mest kända porträttmålarna genom tiderna. Men den här målningen gjordes troligen för hans egen skull, och när han gjorde den satte han sig själv i riskzonen för ett allvarligt straff. I Spanien var det visserligen kungen som styrde, men kyrkan hade kontrollen. De bevakade allt som alla gjorde och lät ett mycket stort antal människor avrättas. Det var olagligt i Spanien att måla nakenbilder som denna. Velazquez har varit mycket noga med att bara visa hennes rygg. Bilden av ansiktet är inte särskilt tydlig. Gamla speglar var inte lika tydliga som moderna speglar. Kanske ville Velazquez dölja kvinnans ansikte för att skydda henne. Arrangemanget och färgsättningen i den här målningen är mycket enkel. Kroppens graciösa linjer upprepas i de grå och vita sängöverdragen. Den röda gardinen är i samma vinkel som hennes huvud och har en varm färg, som hennes rosa kött.
- Murillo, De två treenigheterna, 1681, Sevilla
Holland och Flandern på 1600-talet
- Gerrit von Honthorst, Kristus inför översteprästen, 1617, Utrecht
- Rembrandt, Belsazars festmåltid, 1630-talet, Leyden
Rembrandt är mest känd som porträttmålare, särskilt för de många självporträtt som visar hans liv från tonåren till åldern. Han målade också många scener från Bibeln som den här. Prins Belsazars far hade tagit det judiska folket till Babylon som slavar. Belsassar höll en fest och han skickade tjänare för att hämta de guldkoppar som hade stulits från templet i Jerusalem. Plötsligt dök en främmande hand upp och skrev ett meddelande på väggen. Ingen visste vad det betydde så Balsazar frågade Daniel, som var en judisk profet. Daniel sade: "Du har vägts och mätts av Gud. Du uppfyller inte Guds regler. Dina dagar är räknade!" Den här målningen visar hur mycket de nederländska målarna lärde sig av Caravaggio. Den här målningen kan jämföras med nattvarden i Emmaus. Det är en annan scen full av dramatik. Rembrandt har placerat två av figurerna i ovanliga vinklar. Belsazars kropp är vänd mot betraktaren, men hans huvud är skruvat runt för att se vad som händer bakom honom. När han hoppar upp från sin stol slår han omkull den gyllene bägare som en av hans fruar håller i handen. Hon befinner sig också i en märklig vinkel eftersom betraktaren tittar ner på hennes huvud och axlar. Rembrandt har skapat en kontrast mellan den rika strukturen på hans kläder och hans slappa ansikte och feta mage.
- Anthony van Dyck, Karl I av England till häst, 1631, London. Se nedan.
- Peter Paul Rubens, Domen i Paris, 1632, Antwerpen
Rubens var en så populär målare att han blev rik och berömd. Han målade porträtt och många scener från Bibeln och mytologin. Historien i den här målningen är från grekisk och romersk mytologi. Paris var en prins som uppfostrades av en herde. Han fick ett gyllene äpple och ombads att döma en skönhetstävling mellan tre gudinnor: Juno, familjens gudinna, Minerva, krigets gudinna och Venus, kärlekens gudinna. Var och en av dem erbjöd en belöning: rikedom, framgång i strid och världens vackraste kvinna som hans hustru. Paris valde den sista och gav äpplet till Venus. Detta gjorde två mycket mäktiga människor arga. Och vad han inte insåg var att världens vackraste kvinna, Helena avTroja, redan var gift. Rubens har målat en tavla för att pryda väggen i en rik mecenats hem. Målningen har många detaljer som hjälper till att berätta historien. Bland dessa finns den lille Amor, en fårhund, Junos påfågel, Minervas skrämmande sköld och får som betar i det vackra landskapet. Men det viktigaste i målningen är de tre vackra nakenbilderna. Det var detta som gjorde Rubens bilder så populära.
- Franz Hals, Familjegrupp, 1640-talet, Antwerpen
- Pieter der Hoogh, gård i Delft, 1658, Delft. Se nedan.
- Johannes Vermeer, Ung kvinna vid jungfrurna, ca 1670, Delft. Se nedan.
- Meyndert Hobbema, Avenyn, 1689, Middelharnis
Landskapsmåleri blev mycket populärt i Holland på 1600-talet. I den här bilden är perspektivet mycket viktigt. I ett mycket platt land kan det vara svårt att bedöma hur långt bort saker och ting är. Hobbema har använt denna raka väg med två rader av höga träd för att ge en känsla av hur långt bort staden ligger. Vid första anblicken verkar den här målningen ganska symmetrisk. Men Hobbema har lagt till många skillnader för att göra målningen mer intressant, genom att balansera en bondgård på ena sidan med en kyrka på den andra och genom att göra de två trädraderna helt olika.
1700-talet
- Watteau, De älskande, ca 1720, Frankrike
- Giambattista Pittoni , Polyxenas offer, 1740, Venedig
- Canaletto, Markuskyrkan på Kristi himmelsfärdsdag, ca 1740, Venedig
- Chardin, Den lilla lärarinnan, ca 1740, Paris. Se nedan.
- William Hogarth, Marriage a la Mode (en berättelse i sex bilder), 1743, London
- George Stubbs, En familj i sin Phaeton, ca 1750, England
På 1700-talet var landskapsmålningar populära i England, men de var mer än bara bilder av det vackra landskapet som målades som dekoration i ett rum. De flesta landskapsmålningar var också dokument av en familj och den mark som de ägde. De var ett tecken på familjens rikedom och status. I den här målningen visar markägarna upp sin privata park med sina olika träd. De visar också upp sina praktfulla par hästar och sin eleganta vagn som kallas "phaeton". Tillsammans är denna kusk och hästar 1700-talets motsvarighet till en mycket dyr bil. Stubbs var mest känd för att måla hästar. Han var en mästare på att komponera vackra bilder. Här har han skapat en balans mellan damens stora fashionabla hatt mot det mörka trädet och de svarta hästarna mot den bleka himlen.
- Tiepolo, Allegori över kärlek och tid, 1754, Italien
- Joshua Reynolds, Sir Banastre Tarleton, 1782, London
- Thomas Gainsborough, Morgonpromenaden, 1786, London
- Goya, Hertigen av Wellington, 1812, Spanien och Frankrike
1800 och framåt
Detta är en sorglig målning. Dess fullständiga namn är The Fighting Temeraire bogserad till sin sista kajplats för att brytas upp som skrot. Detta är den sista resan för ett av de stora krigsfartyg som kämpade för England mot den franska flottan i slaget vid Trafalgar. Hennes långa eleganta form utgör en kontrast till den smutsiga svarta bogserbåt med rökande skorsten som bogserar bort henne. Turner, som var expert på att måla havet, himlen och vädret, har placerat månen på himlen nära segelfartyget. Månen är i sin sista fas. På andra sidan av bilden stiger solen upp med ett rött sken som en eld på vattnet. Den avtagande månen är symbolen för att de stora segelfartygens tidsålder är över. Den flammande solen på vattnet är symbolen för ångmaskinens nya tidsålder.
- Constable, Haywain, 1821, Suffolk
- Ingres, Madame Moitessier, 1856, Paris
- Courbet, Kvinnor på Seine-banken, 1857, Frankrike
- Henri Fantin-Latour, Äpplen på ett fat, 1861, Frankrike
Den här bilden är ett stilleben. Under renässansen ingick ofta stilleben i trädekorationerna i viktiga rum i ett palats. På 1600- och 1700-talen blev målningar av stilleben också vanliga och sågs oftast i matsalen, där frukt, blommor och djur som hade dödats för köttet var modeplagg. På 1800-talet målade många konstnärer som Fantin-Latour små stilleben som detta för att öva sina färdigheter i att arrangera en bild, studera ljus och textur. Många konstnärer målade också stilleben för att de var för fattiga för att betala för en konstnärsmodell, eller för att vädret var för dåligt för att måla landskap. Fantin-Latour gjorde ett stort antal små bilder av det här slaget. Han har arrangerat fyra äpplen i olika färger och former och har gjort en studie av hur ljuset ser ut på deras böjda ytor.
Seurat var vän med de franska impressionistiska målarna. Han hade en teori om att alla färger bestod av många olika färger som sorterades ut när ljuset passerade in i ögat. Han experimenterade med färg genom att måla med små prickar. Hans målarstil kallas för pointillism. Den här stora målningen tog lång tid att göra. Trots att det är en utomhusscen med många figurer är den väldigt stilla, som om tiden har stannat. När man tittar närmare på målningen kan man se att även de delar som verkar vita eller svarta består av hundratals små färgprickar.
- Vincent van Gogh, Landskap med cypress, ca 1890, Frankrike
Vincent van Gogh hade ett svårt och oroligt liv. Han föddes i Holland men började måla i Frankrike. Han hade mycket få vänner och hade svårt att sälja sina målningar. Som tur var fick han stöd av sin bror Theo och en läkare som han målade tavlor för. Det här landskapet är ett bra exempel på hans stil. I målningen verkar allting ha ett eget liv. Molnen är som stora bestar som rullar över himlen, det vajande säden sträcker ut sig som händer, bergen mullrar och cypressen ser ganska farlig ut. Vincent använde varje penseldrag för att bidra till att skapa denna flam-liknande rörelse. En annan viktig sak i den här målningen är kontrasten. Färgerna skiftar från varm rödorange till isblått. Det stora mörka trädet till höger står i tonal kontrast till de vita molnen. Trädens vertikala riktning står i kontrast till landskapets horisontella riktning. År 1890 tog Vincent sitt eget liv efter att ha målat hundratals bilder på bara fem år.
.jpg)
.jpg)
