Opera – vad är opera? Definition, uppbyggnad, roller och operahus

En opera är vanligtvis uppdelad i två, tre, fyra eller till och med fem akter. I äldre operor bestod musiken främst av recitativ och arior. Under recitativen hände saker i berättelsen. Arien var en sång för en solosångare, en tonsättning av en text. Förutom recitativ och aria fanns det även körer. Kören var en grupp sångare som sjöng i publikscenerna. Operan börjar med en ouvertyr för orkestern. Ouvertyren innehåller vanligtvis melodier som kommer att höras senare i operan.

I operor från 1800-talet och framåt är det ofta liten eller ingen skillnad mellan recitativ och aria. Kompositörer som Wagner ville komma bort från operor med många separata arior där sångarna kunde visa upp sig och där publiken klappade högt efter varje aria. Han ville ha kontinuerlig musik så att stämningen inte skulle brytas.

Ibland innehåller operor mycket dans. Särskilt fransk opera hade ofta en akt som var full av danser.

Alla operor har inte musik hela tiden.

Grand opera är en opera som är helt och hållet tonsatt.

Opéra bouffe (franska) eller Opera buffa (italienska) är en komisk opera. Historien är mycket lättsam och rolig.

Opéra comique är en fransk benämning på opera som innehåller en del talad text. Överraskande nog betyder det inte "komisk" opera. En opera som Carmen, som är en tragedi, är ändå en opéra comique eftersom den använder talade dialoger i stället för recitativ.

Singspiel är en tysk term för en typ av opera med mycket magi och fantasi i berättelsen. Det var talat ord mellan sångerna. Mozarts Trollflöjten är ett exempel.

Operett är en kort opera som är lättsam och vanligtvis innehåller en del talade ord.

Operasångare måste ha kraftfulla röster och en bra teknik. De flesta operahus är mycket stora och sångarna måste höras längst bak. De måste också vara duktiga på att spela skådespeleri. De måste kunna lära sig musiken snabbt och sjunga ur minnet. Det är till hjälp att vara bra på språk eftersom operor ofta spelas på italienska, tyska, franska, engelska, ryska osv. Vissa operaföretag, som English National Opera, sjunger sina operor på engelska. Andra, som Royal Opera House, sjunger operor på det språk de är komponerade på. Översättningar skrivs ut på en skärm ovanför scenen ("övertexter") så att publiken kan förstå vad som sjungs.

Även om sångare tränar för att få ett brett omfång (bra topp- och bastoner) kan man inte förvänta sig att de ska kunna sjunga vilken roll som helst inom sitt röstomfång. Till exempel kan vissa sopraner ha stora, dramatiska röster som lämpar sig för roller som Tosca i Puccinis opera Tosca. Andra kan ha en mycket lätt och hög röst, kallad "coloratura", som passar för roller som Nattens drottning i Mozarts Trollflöjt. En del kan ha ett medelhögt omfång, kallat mezzosopran, som passar för roller som Carmen i Bizets opera Carmen.

I opera är ofta hjältinnan en sopran och hjälten en tenor. Basarerna har ofta rollen som en mäktig kung, eller så är de skurkarna.

1700-talets lexikograf och kritiker Dr Johnson beskrev opera som en "exotisk och irrationell underhållning". Med "exotisk" menade han att den kom från ett främmande land (vilket på den tiden var sant: all opera på den tiden kom från Italien). Med "irrationell" menade han att de saker som hände i berättelserna var märkliga och inte liknade det verkliga livet. En pjäs kan vara som det verkliga livet, men en opera sjungs, så saker och ting kommer inte att hända på samma sätt som de normalt gör i det verkliga livet. En sångare kan sjunga "Jag måste gå, jag måste gå!" och han kan stå på scenen och sjunga detta i flera minuter innan han till slut går! En sångare kanske låtsas dö och sjunger en vacker sång innan han eller hon slutligen dör. Dessa saker är "konventioner", vilket innebär att de är ett slags vana som vi måste acceptera när vi tittar och lyssnar på opera. En annan konvention i tidigare operor var att unga mäns roller sjöngs av kvinnor. Detta kallas ibland för en byxroll eller byxroll. Det rör sig ofta om små roller, till exempel som springpojkar eller tonåringar som flirtar med äldre kvinnor, till exempel rollen som Cherubino i Mozarts Figaros bröllop eller Oktavian i Richard Strauss' Der Rosenkavalier. Man bör komma ihåg att det på 1700-talet var vanligt att den kvinnliga huvudrollen sjöngs av en man som var castrato. Det verkar vara en mycket märklig (och grym) konvention för oss nu.

Det finns många berömda operor, och de bästa har en del av den bästa musiken som någonsin har skrivits. Musiken skulle inte ha kunnat skrivas på det sättet om den inte hade skrivits för opera. Till exempel: Mozart är mycket skicklig på att skriva musik där kanske sex personer sjunger olika saker samtidigt eftersom de alla har olika idéer om situationen i berättelsen.

Medeltida opera (mitten av 1100-talet)

En av de första operorna som någonsin skrevs var Ordo Virtutum av Hildegard av Bingen. Ordo Virtutum (latin för dygdernas ordning) är ett allegoriskt moralpjäs eller liturgiskt drama, komponerat omkring 1151, under byggandet och flytten av Bingens kloster i Rupertsberg. Det är det tidigaste moralspelet med mer än ett sekel och det enda musikaliska drama från medeltiden som har överlevt med en tillskrivning för både text och musik.

En kort version av Ordo Virtutum utan musik finns i slutet av Scivias, Hildegards mest kända berättelse om sina visioner. Den finns också med i vissa manuskript av Symphonia armoniae celestium revelationum ("Symfoni av de himmelska uppenbarelsernas harmoni"), en cykel med mer än 70 liturgiska sånger. Den kan ha framförts av klosternunnorna vid invigningen av kyrkan St Rupertsberg 1152 eller möjligen före mässan för jungfrus vigning i klostret .

Barockoper (1600-1750)

Den första barockoper som någonsin skrevs uppfördes 1597 i Florens i Italien. Den hette Dafne och kompositören var Jacopo Peri. Denna opera är nu försvunnen, men tre år senare, år 1600, arbetade han tillsammans med en annan kompositör som hette Giulio Caccini för att skriva en opera som hette Euridice. Musiken till denna finns fortfarande kvar. Den var nästan helt och hållet recitativ. Denna typ av skrivande var ny, men om operan skulle berätta en historia var det viktigt att ha en soloröst som sjöng ord som kunde höras. Man försökte åstadkomma något som liknade en gammal grekisk tragedi. Den framfördes på en slags klubb, kallad "camerata", för intellektuella (smarta) människor inför en liten publik. Det var inte någon fantastisk musik, men det fantastiska var att det fanns en genial kompositör i närheten. Han hette Claudio Monteverdi, och bara sju år senare, 1607, skrev han den första riktigt bra operan: Orfeo, som producerades i Mantua. Monteverdi måste ha insett att operan hade möjligheter att sammanföra poesi, musik, scenografi och skådespeleri. Han tog den typ av sånger som var populära vid den tiden och förenade dem med tal eller recitativ. Senare i livet förenade han dessa så att musiken flöt mer dramatiskt.

År 1637 öppnades det första offentliga operahuset i Venedig. Snart började många teatrar i Italien producera operor. Historierna handlade oftast om antiken, som romarriket eller grekiska myter. Man började lägga in komiska (roliga) inslag för att få folk att skratta. Snart fanns det opera i Paris, Wien, Hamburg och vid de små domstolarna i Tyskland, som på den tiden bestod av många små länder, vart och ett med en egen prins som regerade och hade musiker vid hovet. De kompositörer som är mest ihågkomna i dag är Jean-Baptiste Lully (1632-1687), som var italienare och flyttade till Frankrike och skrev operor för den franske kungen, och George Frideric Händel (1685-1759), som var tysk och flyttade till England och skrev operor för operahusen i London. I Italien fanns det kompositörer som Francesco Cavalli (1602-1676), som hade varit körpojke i Monteverdis kyrkokör i Venedig, och Alessandro Scarlatti (1660-1725) som bodde i Neapel.

Under den här perioden, som kallas barocken, var operan en underhållning för överklassen som gick på operan för att synas offentligt. Operan var ett socialt tillfälle där man kunde träffa människor och prata, även under musiken. Både sångarna och publiken betedde sig på sätt som vi skulle tycka var dåligt uppförande.

Klassisk opera (sent 1700-tal)

Christoph Willibald Gluck var en kompositör som försökte få folk att ta opera på större allvar. År 1762 skrev han operan Orfeo ed Euridice som framfördes i Wien. Den hade många körer och balettnummer, som fransk opera, men orden var på italienska och musiken koncentrerade sig verkligen på historien i stället för att bara vara en uppvisning för skickliga sångare att visa upp. En del av musiken är mycket berömd i dag, t.ex. de välsignade andarnas dans som spelas på en flöjt och Orfeos aria "Che faró senza Euridice?". ("Vad ska jag göra utan Euridice?").

Wolfgang Amadeus Mozart lärde sig av Glucks idéer om opera. Detta kan ses i hans opera Idomeneo som handlar om en grekisk historia. Andra italienska operor av Mozart är bl.a: Don Giovanni, Le Nozze di Figaro och Cosi fan tutte. Han skrev även operor på tyska: Bortförandet från Serail och Trollflöjten. Dessa är Singspiel: operor som berättar magiska och fantasifulla historier.

Ludwig van Beethoven (1770-1827) skrev bara en opera: Fidelio. Det är en berättelse om en kvinna som räddar sin älskare från fängelset. Räddningsoperor var populära i Frankrike, men den här är på tyska. Det är en allvarlig opera om hur en kvinna kan rädda en man genom att vara sann och trogen.

Romantisk opera (1800-talet)

På 1800-talet fortsatte Richard Wagner (1813-1883) Glucks idéer. Wagner hade mycket personliga idéer om hur hans operor skulle framföras, och han gillade att själv utbilda sångarna. Han ville att de skulle ta dramatiken i hans operor på allvar i stället för att behandla musiken som ett sätt att visa upp sina röster. Han skrev alltid libretti (texten till operan) själv, och de var alltid på tyska. De handlar oftast om allvarliga ämnen från tysk folklore och myter, även om han skrev en komisk opera: Han skrev även en opera, The Mastersingers of Nürnberg. Wagner använde sig av "ledmotiv", vilket innebär att det finns melodier som används för särskilda karaktärer eller idéer i operan. Detta gör att musiken kan utvecklas i takt med berättelsen och kan användas på intressanta sätt. Till exempel: När Sigmund (i operan Die Walküre) säger att han inte vet vem hans far är, hör vi hans fars melodi i orkestern! Publiken vet naturligtvis om det (detta kallas dramatisk ironi).

I Italien skrev Gioachino Rossini (1792-1868) många operor. Det fanns ingen skillnad i stil mellan hans komiska och allvarliga operor. Ofta användes samma uvertyr till båda. Han skrev exakt alla toner som sångarna skulle sjunga, han ville inte låta dem improvisera egna ornamentala toner. Allt var noggrant genomtänkt. Musiker är inte säkra på om de ska kalla honom för en klassisk eller romantisk kompositör. Kompositörer som Vincenzo Bellini (1801-1835) och Gaetano Donizetti (1797-1848) är definitivt romantiska. De hade förmågan att skriva vackra lyriska melodier. Den mest kända italienska operakompositören på 1800-talet var Giuseppe Verdi (1813-1901). Hans musik är inte alltid kontinuerlig som Wagners. Ibland stannade den för att publiken skulle applådera. Verdi hade en underbar känsla för dramatik och kunde skriva vackra melodier som fångade människors hjärtan. Han älskade Shakespeare och baserade flera av sina operor på Shakespearepjäser: Othello, Macbeth och Falstaff.

Under 1800-talet var nationalismen viktig. Kompositörer skrev musik som var typisk för deras eget land. Wagner, som vi har sett, använde sig av tyska myter för sina operahistorier. I Spanien hade man en egen typ av opera som kallades "zarzuela". I Ryssland skrev Michail Glinka (1804-1857) Ruslan och Ludmila som byggde på en rysk saga. Andra ryska kompositörer är Alexander Borodin som skrev Prins Igor och Modest Mussorgskij (1839-1881) som skrev Boris Godunov. Båda dessa operor handlar om berättelser från den ryska historien. Nikolaj Rimskij-Korsakov (1844-1908) skrev en sagoopera Sadko, och Pjotr Tjajkovskij (1840-1893) använde några mycket ryska melodier i Eugen Onegin och Spader dam.

Tjeckiska kompositörer skrev nationella operor. De mest kända tjeckiska operakompositörerna var Antonín Dvořák (1841-1904), Bedřich Smetana (1824-1884) och Leoš Janáček (1854-1928). I Frankrike var den mest kända kompositören Charles Gounod (1818-1893) som skrev operan Faust.

Opera på 1900-talet

På 1900-talet hade kompositörerna många olika kompositionsstilar. Detta gällde för alla typer av musik, inklusive opera. Richard Strauss (1864-1949) var egentligen en romantiker, även om nästan alla hans operor skrevs på 1900-talet. Hans harmonier visar att han hade studerat Wagners operor. Der Rosenkavalier (1909) har många romantiska melodier, även om det är en berättelse om Wien under den klassiska perioden. I Italien skrev kompositörer som Giacomo Puccini (1858-1924) operor i verismo-stil. Detta innebar operor med historier som kändes som verkliga livet. Karaktärerna i berättelserna tillhörde vanligtvis de lägre klasserna.

Alban Berg (1885-1935) skrev också operor om fattiga eller enkla människor. Han skrev operan Wozzeck, som är en tragedi om en man som är för enkel för att förstå att människor är otrevliga mot honom och utnyttjar honom. Bergs musik bygger ofta på tolvtonsserien som han hade lärt sig av Schönberg. Stravinskijs (1882-1971) The Rake's Progress är i ännu en stil som kallas nyklassisk eftersom musiken är gjord för att låta lite som musik från den klassiska perioden. I England skrev Britten många stora operor som Peter Grimes och Billy Budd. I Ryssland skrev Dmitri Sjostakovitj Lady Macbeth of the Mtsensk District. De flesta av dem handlar om olyckliga människor som vill vara en del av samhället men som inte accepteras.

Bland nyare tonsättare som skrivit operor kan nämnas ungraren György Ligeti (1923-2006), polacken Krzysztof Penderecki (f.1933), engelsmannen Sir Harrison Birtwistle och amerikanerna Philip Glass (f.1937) och John Adams (f.1947).